Come creare il proprio stile di disegno o stile di pittura!
MAGGIO 2020
A seconda del percorso che vogliamo intraprendere avere uno stile personale è parecchio importante.
Come un’azienda deve distinguersi dai propri concorrenti per essere unica e indispensabile anche un artista che spicca tra la massa ha bisogno di questo:
Uno stile che lo renda unico!
Beh ho fatto due pensierini su come è costruito uno stile e quindi come modificarlo.
Seguimi attentamente secondo tutti i passaggi!
Partiamo dal processo creativo alla base della costruzione di ogni immagine:
1. COMPOSIZIONE:
Con la creazione di thumbnails, cioè piccoli disegni privi di dettagli, ci occupiamo della visione d’insieme nella nostra immagine.
Per fare qualche esempio:
• i vari tipi di inquadratura (Primo piano, Mezza figura, Campo Medio, Campo lungo…);
• la direzione delle linee dominanti in un disegno (Verticali, orizzontali o diagonali);
• lo “Shape Language”;
• la gestione del peso visivo e dell’attenzione dello spettatore.
Tutti questi elementi ci aiutano a comunicare in modo chiaro un concetto o un’emozione.
2. COSTRUZIONE:
Qui entrano in campo le parti più tecniche. Dopo aver pensato a cosa dire nella nostra immagine dobbiamo costruire tridimensionalmente la nostra immagine con l’obiettivo di dare l’illusione di realtà.
Per fare questo gli strumenti sono due terribili nemici/amici degli illustratori:
- la prospettiva, usando una prospettiva a 1-2-3-5 punti di fuga;
- l’ottica di camera usata, stiamo creando un grandangolo ( 50° e 80°/ Fisheye 80° e 180°, 220°), un obiettivo con punto di vista umano (50° e 40°) o un teleobiettivo (40° fino a 1°)?
- l’anatomia realistica o semplificata che sia.
Puoi raccontarti tutte le favole che vuoi, ma se sei carente in uno di questi temi devi recuperare subito per evitare problemi futuri.
Per esempio io non so ancora disegnare le mani.
3. QUALITÀ DELLA LINEA O DELLA PENNELLATA
Ci siamo occupati di cosa comunicare e della struttura tridimensionale del nostro disegno, ora non rimane che aggiungere i dettagli e curare la linea a livello artistico e personale.
Nel caso nel nostro lavoro finito non fosse presente la linea in questa fase dobbiamo studiare la qualità della nostra pennellata, se rozza ed evidente oppure leggera e indistinguibile.
4. LUCI E OMBRE
Avendo il disegno finito possiamo passare direttamente alle ombre per aggiungere atmosfera al disegno e rafforzare la nostra comunicazione.
Il modo migliore per farlo è basarsi sugli studi di illuminotecnica derivati dal cinema, quindi:
• Quante luci usare? Luce principale, riempimento e controluce?
• A che distanza e altezza posizionare le luci?
• Luce d’ambiente, Omnidirezionale, Faretto o Parallela?
• Ombre nette o sfumate?
• Che tipo di contrasto vogliamo usare?
• Usare ombre portate che vengono da fuori campo?
Queste e altre domande sono necessarie per creare ombre e luci in modo razionale nelle nostre immagini.
5. COLORE
Come con il chiaroscuro il compito del colore è con altri mezzi rafforzare la comunicazione. Ricordati che con il colore se fatto con coscienza si può stravolgere completamente un’immagine.
- Stiamo usando bene i contrasti di colore per attirare l’attenzione dove vogliamo?
- Che tipo di palette costruire? Monocromatica, Analoghi, Complementari o Triade?
- Stiamo usando la Psicologia del colore?
- Vogliamo ricreare un’atmosfera realistica
A seconda del tuo metodo personale questa scaletta può variare tra chiaroscuro e colore: se la tua forza sta nei colori allora iniziamo da loro per poi aggiungere chiaroscuro, ma se sei potente nelle atmosfere date dal chiaroscuro quello sarà il tuo punto di forza.
6. COMUNICAZIONE: EMOZIONE O CONCETTI
Cosa vuoi comunicare nella tua immagine?
Alcuni artisti si basano più sulle proprie emozioni e vogliono tirare fuori quel mondo che hanno dentro.
Altri invece vogliono parlare più che altro del mondo che c’è fuori e del contrasto tra le loro idee e quelle del mondo.
Prendendo a esempio come viene costruita la psicologia di un personaggio ci sono tre contrasti fondamentali che lo contraddistinguono e lo fanno muovere:
- Il contrasto con il mondo;
- Il contrasto con le persone;
- Il contrasto con se stesso.
A te cosa muove la tua mano?
Che storia hai da raccontare?
Va bene!
Fino ad ora non ti ho spiegato nulla su come creare uno stile, ma ci arriviamo.
CREAZIONE DELLO STILE
In ognuno di questi passaggi noi possiamo essere canonici e quindi cercare di essere il più realistici possibile, accademici.
E se invece iniziamo a deformare una di queste parti a nostro piacere? Ecco che inizia a intravedersi uno stile personale.
Possiamo mantenere delle composizioni standard, struttura realistica e poi dare di matto sulla realizzazione dei dettagli, oppure deformare tantissimo la struttura mantenendo il resto dei passaggi realistici.
O ancora meglio, deformare e distorcere tutto a nostro piacimento.
Quello che devi tenere in considerazione è che ognuno di questi passaggi può essere alterato secondo il nostro gusto e la nostra percezione.
Quindi il nostro stile viene a crearsi distorcendo uno di questi passagi a nostro piacere o se non siamo ancora esperti a tal punto, dai nostri LIMITI!
Non sei bravo in tutto e anche i tuoi errori, le tue mancanze vanno a creare il tuo stile particolare e originale. Solo tu puoi fare quegli errori e risolverli in quel modo, quindi perchè vergognarsene e non esserne orgoglioso?
Adesso CREA!
Voglio vedere che stile riuscirai a tirare fuori!
Owner and Founder di Colorazionedigitale.it
Classe 1989, inizia la sua carriera a 21 anni lavorando come Colorista e Disegnatore Professionista in ambito di Fumetto e Illustrazione.
Si distingue per i suoi lavori in collaborazione con Disney Egmont, Lego e Tatailab, contando anche i suoi progetti personali come il fumetto Johnny Dynamic e il primo libro sulla Colorazione Digitale in Italia.
